Filmes no Cinema Hoje: Estreias de 5 de novembro de 2026

Entre os filmes no cinema hoje, estão “Godzilla Minus Zero”, a aguardada continuação do vencedor do Oscar de efeitos visuais, “Cavalo Selvagem Nove”, a nova comédia sombria de Martin McDonagh com John Malkovich e Sam Rockwell, e “Feito Pipa”, de Allan Deberton, escolhido para representar o Brasil na disputa do Oscar 2027. A semana traz ainda a animação “O Gatola da Cartola”, com Bill Hader, “Klara e o Sol”, de Taika Waititi, com Jenna Ortega, e uma safra nacional forte com “Os Farofeiros 3”, “Assalto à Brasileira”, “Vicentina Pede Desculpas” e o terror “Nova Éden”. Confira todos os destaques de 5 a 11 de novembro de 2026.

Em 1949, dois anos depois do ataque que afundou o Japão no “negativo”, o ex-piloto kamikaze Koichi Shikishima vive em paz com a esposa Noriko e a filha adotiva Akiko, enquanto o amigo Noda comanda um novo departamento de resposta a desastres. O país mal começou a se reerguer quando uma nova ameaça surge, e o tempo para decidir o futuro da nação é curto. “Godzilla Minus Zero” é a continuação direta de “Godzilla Minus One” (2023), que rendeu ao Japão o primeiro Oscar de efeitos visuais da história e se tornou um fenômeno mundial. Takashi Yamazaki volta a acumular direção, roteiro e supervisão de efeitos, agora numa produção de 2 horas e 15 minutos pensada para telas IMAX. No Brasil, a distribuição é da SATO Company.

A estreia no Festival de Nova York foi recebida com entusiasmo, mas com uma ressalva recorrente: o filme é maior, e não necessariamente melhor, que o anterior. William Bibbiani, da TheWrap, o colocou entre as continuações mais ambiciosas e satisfatórias da franquia, elogiando a grandiosidade e a forma como a premissa absurda continua ancorada no sofrimento humano, mas achou a nova história mais boba, cheia de conveniências de roteiro e dependente do apego do público aos personagens do primeiro filme. Jeremy Mathai, do SlashFilm, descreveu as sequências de destruição como uma maravilha técnica e destacou o raro equilíbrio entre catástrofe e drama familiar, além da trilha de Naoki Satô, embora considere algumas tramas paralelas dispensáveis e lamente que Godzilla demore a aparecer de verdade. Programa obrigatório para os fãs do monstro, de preferência na maior tela possível.

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Chile, 1973, pouco antes do golpe que derrubou Salvador Allende. Dois agentes da CIA, o veterano Chris e seu pupilo Lee, são transferidos de Santiago pelo chefe MJ para a remota Ilha de Páscoa, numa missão que funciona como um teste de confiança entre eles. Enquanto revisitam passados sombrios e conspirações, Chris se aproxima de um grupo de estudantes rebeldes, o que pode colocar tudo a perder. “Cavalo Selvagem Nove” é o primeiro longa de Martin McDonagh desde “Os Banshees de Inisherin” e reúne o diretor novamente com Sam Rockwell, premiado com o Oscar por “Três Anúncios para um Crime”. É apenas o segundo filme a ser rodado na Ilha de Páscoa.

Exibido em Veneza, Toronto e San Sebastián, o filme foi muito bem recebido. David Jenkins, da Little White Lies, o definiu como uma dose revigorante de puro entretenimento que, de quebra, critica a política externa americana, e apontou o trabalho de Malkovich como talvez o melhor de sua carreira neste século, capaz de tornar simpático um personagem moralmente desprezível; sua única ressalva é que o filme “esconde demais o jogo” na primeira metade, guardando a melancolia e a reflexão histórica para o final. Monica Castillo, do site The A.V. Club, também destacou a química entre Malkovich e Rockwell nos diálogos rápidos e o elenco de apoio com Buscemi, Waits e Posey, comparando a amizade dos protagonistas à de “Na Mira do Chefe”, mas achou que algumas piadas e detalhes passam do ponto. Ideal para quem gosta do humor ácido e afiado de McDonagh. Na modesta opinião deste site, trata-se da melhor estreia desta semana.

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É impossível falarmos de tradição infantil americana sem mencionarmos o personagem criado por Theodor Geisel, mais conhecido como Dr. Seuss, e o que foi criado para ser uma ferramenta pedagógica em 1957, tornou-se um fenômeno editorial e parte do que é ser criança hoje nos EUA. Nesta mais recente empreitada do personagem Gatola, famoso por espalhar caos por onde passa, ele enfrenta o maior desafio da carreira no Instituto da Imaginação e da Inspiração: animar os irmãos Gabby e Sebastian, que não conseguem se adaptar à nova cidade. A missão pode ser a última chance de provar seu valor, e ele corre o risco de perder a cartola mágica. “O Gatola da Cartola” é a primeira animação longa da Warner Bros. Pictures Animation baseada na obra de Dr. Seuss e a primeira versão para o cinema do livro clássico de 1957 desde o filme com atores de 2003. A produção teve a estreia adiada algumas vezes até chegar às salas agora.

A crítica americana se dividiu. Kevin Finnerty, do ShowbizJunkies, considerou a dublagem de Bill Hader o ponto alto, com um Gatola mais caloroso e fácil de torcer do que as versões anteriores, e elogiou a animação visualmente deslumbrante, sobretudo dentro das caixas mágicas onde papéis velhos e brinquedos esquecidos ganham vida; sua ressalva é que o tom lembra mais “Monstros S.A.” e “Looney Tunes” do que os livros de Seuss. William Bibbiani, da TheWrap, foi bem mais duro: para ele, colocar o Gatola a serviço de uma burocracia cheia de lições banais dilui o espírito anárquico do livro, e o resultado, embora competente, é tão inofensivo que não deixa marca. Uma opção colorida para as férias das crianças, sem a ousadia do original.

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Num futuro próximo, Klara é uma Amiga Artificial, uma robô criada para fazer companhia a adolescentes, que observa o mundo da vitrine de uma loja. Ela é comprada por Chrissie para a filha Josie, uma menina frágil que sofre de uma doença misteriosa. Ao perceber que a saúde da garota piora, Klara decide procurar uma cura por conta própria, enfrentando dilemas sobre amor, perda e o que significa ser humano. “Klara e o Sol” adapta o romance de 2021 do Nobel de Literatura Kazuo Ishiguro, autor de “Não Me Abandone Jamais”, e teve estreia mundial no Festival de Londres.

A recepção foi majoritariamente negativa. Jesse Hassenger, do The A.V. Club, considera Jenna Ortega o maior trunfo do filme, com uma atuação engraçada e expressiva, e reconhece a surpresa de transformar uma história triste numa ficção científica caprichosa, mas aponta um excesso de fofura e de ideias tratadas de forma desigual, uma Amy Adams desequilibrada pelas mudanças de tom e uma relação entre Klara e Josie que parece pular etapas. Olly Richards, da Time Out, acredita que Waititi nunca acerta o tom, misturando piadas bobas a um drama pouco desenvolvido, e que o filme ignora as perguntas sobre consciência e humanidade que fazem do livro algo tão marcante. Peter Bradshaw, do The Guardian, foi o mais severo e chamou o resultado de bagunça sentimental. Vale pela curiosidade de ver Ortega num papel diferente, mas quem amou o livro deve ajustar as expectativas.

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Numa cidade do sertão cearense castigada pela seca, Gugu, um menino queer de 11 anos, vive com a avó Dilma, que começa a dar sinais de Alzheimer. Com medo de ser obrigado a morar com o pai, Batista, um homem homofóbico, o garoto tenta esconder do mundo o avanço da doença. Rodado em Quixadá, no Ceará, “Feito Pipa” é o novo longa de Allan Deberton, diretor de “Pacarrete”, e foi escolhido pela Academia Brasileira de Cinema para representar o país na disputa por uma vaga no Oscar 2027 de Melhor Filme Internacional. A distribuição é da Paris Filmes.

O filme abriu a competição de longas brasileiros do 54º Festival de Gramado, onde emocionou a plateia e levou cinco prêmios: direção, atriz para Teca Pereira, ator coadjuvante para Lázaro Ramos, menção honrosa para o jovem Yuri Gomes e o prêmio do júri popular. Igor Natusch, do Jornal do Comércio, elogiou a direção sensível, a atuação memorável de Yuri Gomes, o equilíbrio entre drama e alívio cômico e o Batista de Lázaro Ramos, um pai complexo e imperfeito longe do vilão unidimensional; sua única objeção é a cena final do personagem, que soa como uma condenação dura demais diante de tudo o que o filme construiu. Para alguns críticos, o protagonista mirim e a força visual da obra estão entre os grandes destaques do cinema nacional no ano. Um dos filmes brasileiros mais importantes da temporada, imperdível.

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Desta vez, o chefe Rocha resolve bancar o casamento da filha em San Martinez, uma ilha paradisíaca no Caribe, e convida os funcionários Alexandre, Lima e Diguinho, com as respectivas famílias, para uma viagem com tudo pago. O que deveria ser um passeio dos sonhos vira uma sucessão de confusões, conflitos familiares e segredos do passado. “Os Farofeiros 3” encerra a trilogia iniciada em 2018 e mantém a dupla Roberto Santucci e Paulo Cursino, responsável também pela franquia “Até que a Sorte nos Separe”.

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Londrina, 1987, em plena crise econômica. Paulo, um jornalista recém-demitido, vai a uma agência bancária resolver pendências trabalhistas e acaba no meio de um assalto à mão armada com mais de 300 reféns. Farejando o maior furo da carreira, ele passa a ajudar os criminosos nas negociações com a polícia enquanto entrevista os reféns para sua reportagem, e parte da população lá fora começa a torcer pelos ladrões. “Assalto à Brasileira” se inspira no caso real do assalto ao Banestado, e o diretor José Eduardo Belmonte, de “Alemão” e “Uma Família Feliz”, condensou cerca de doze horas de acontecimentos num filme de 1 hora e 38 minutos.

O filme estreou no 58º Festival de Brasília, onde conquistou o prêmio de melhor longa pelo júri popular, além dos troféus de melhor ator para Murilo Benício e ator coadjuvante para Christian Malheiros, e também passou pela Mostra de São Paulo. Para alguns críticos, Benício é o grande destaque, equilibrando tensão, comédia e a malandragem do personagem, e os reféns roubam várias cenas com reações cômicas à situação absurda; a direção de arte e a fotografia recriam bem os anos 1980, e a mistura de suspense e humor combina com uma história em que a realidade superou a ficção. A principal ressalva recai sobre a trilha sonora, que poderia ser usada com mais ousadia para reforçar a comédia e a tensão. Uma boa surpresa do cinema nacional, que vale o ingresso.

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Em Belo Horizonte, um ônibus despenca de um viaduto e mata quase todos os passageiros, incluindo o motorista Wesley. Quando a investigação sugere que o acidente pode ter sido uma tentativa de suicídio, Vicentina, a mãe de Wesley, decide procurar as famílias das vítimas para pedir desculpas e tentar seguir em frente. “Vicentina Pede Desculpas” é o novo longa de Gabriel Martins, diretor de “Marte Um”, e chega a salas selecionadas antes de estrear na Netflix, em 20 de novembro. O filme foi o único brasileiro selecionado para o Festival de Toronto, competiu em San Sebastián, teve a estreia nacional no Festival do Rio e é o indicado brasileiro ao Goya de melhor filme ibero-americano.

André Guerra, do Diario de Pernambuco, aponta a atuação de Rejane Faria como o ponto mais alto do filme, com uma capacidade de gerar empatia que culmina num close final especialmente poderoso, e elogia a abertura impactante, o roteiro que evita romantizar a missão da protagonista e as participações de Fábio Leal, Carlos Francisco e Flavio Bauraqui, que trazem pontos de vista diferentes ao conflito. A ressalva é a estrutura episódica, que às vezes cai na repetição emocional, ainda que cada novo encontro revele uma camada diferente do luto de Vicentina. Um drama delicado e potente, para ver de preferência na tela grande.

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Na década de 1920, o jovem padre negro Damião chega ao Sul do Brasil para catequizar uma vila de agricultores poloneses. Rejeitado pelos colonos, ele se aproxima de Cecília, uma mulher admirada por toda a comunidade, e aos poucos descobre que uma força sobrenatural sinistra controla a cidade. “Nova Éden” é o primeiro terror folclórico de Aly Muritiba, diretor de “Deserto Particular”, rodado no Paraná numa coprodução entre Brasil e Polônia. O protagonista é vivido por Welket Bungué, ator guineense de “Joaquim” e “Berlin Alexanderplatz”.

A proposta de unir o horror sobrenatural à história da imigração europeia no Sul do país e ao racismo enfrentado pelo protagonista faz de “Nova Éden” uma das apostas mais curiosas do gênero no cinema brasileiro deste ano. Para quem gosta de terror com atmosfera e subtexto.

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Henry Fitzgerald é um ex-boina-verde e engenheiro especialista em sistemas de armas que vive numa comunidade rural do Wyoming. Quando uma poderosa corporação tenta tomar à força as terras e as propriedades dos vizinhos, ele decide enfrentá-la e proteger quem mora ali. “Ghost Soldier” marca o retorno de Jim Caviezel, de “A Paixão de Cristo” e “Som da Liberdade”, a um filme de ação, e tem roteiro coescrito por Randall Wallace, indicado ao Oscar por “Coração Valente”. A distribuição no Brasil é da Sony Pictures.

Ainda não há críticas publicadas sobre o filme. Pelo material de divulgação, a proposta é uma ação de vingança de um homem só contra todos, no espírito dos filmes do gênero dos anos 1980. Para os fãs de ação direta e sem rodeios.

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Depois da morte da irmã Emily, Deena volta à cidade natal para apoiar os pais e aceita cuidar do filho do xerife numa noite escura perto do Halloween. Enquanto isso, pistas estranhas sobre a morte de Emily e fitas VHS com o título “Night of the Reaper” começam a aparecer, ligando o caso a um antigo assassinato na cidade. Ambientado nos anos 1980, o filme de Brandon Christensen, diretor de “Z” e “Superhost”, foi lançado nos Estados Unidos em 2025 pela plataforma Shudder e chega aos cinemas brasileiros pela PlayArte.

A recepção da crítica de terror foi positiva. Robert W. Monk, do Flickering Myth, descreveu o longa como um suspense de clima noir e visual retrô que mistura investigação policial e slasher, com roteiro esperto, um bom manejo do mistério e das pistas falsas, ritmo bem dosado, trilha de sintetizadores eficiente e uma Jessica Clement carismática no papel principal; ele elogia ainda o fato de o filme não se apoiar demais na nostalgia dos anos 1980. Lloyd Farley, do Collider, também aprovou a forma como a história subverte expectativas, embora observe que ela exige alguma boa vontade do espectador, enquanto Cole Groth, do FandomWire, o viu como uma distração correta, com mistério e atmosfera suficientes para os fãs do gênero. Uma boa opção para quem curte slashers à moda antiga.

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Imagine que lhe fossem dado dois tíquetes para uma máquina do tempo. Você seria transportado para 1988, mais especificamente para o “Palais Omnisports de Paris-Bercy”, nos dias 30 e 31 de maio daquele ano. E a única coisa que poderia fazer seria assistir a um show icônico de alguém que já se foi. Basicamente é esse o sentimento ao adentrarmos o cinema para assistir ao documentário “The Faith Tour”. No auge do sucesso do álbum “Faith”, George Michael fez dois shows no Palais Omnisports de Paris-Bercy, registrados por catorze câmeras em película de 35 mm. O material, considerado perdido por décadas e nunca lançado oficialmente, foi recuperado, restaurado e remasterizado para os cinemas. “George Michael: The Faith Tour” tem 1 hora e 53 minutos, inclui fotos inéditas de Herb Ritts e imagens de bastidores das gravações do clipe de “Faith”, e chega ao Brasil pela Universal Pictures.

As primeiras impressões da imprensa europeia, como a do site francês AVCesar, tratam o show como uma cápsula do tempo dos anos 1980 que lembra a voz e a presença de palco inegáveis do cantor, além da influência que ele ainda exerce sobre o pop atual. Para os fãs, uma chance única de ver o ídolo no auge, em tela grande e com som de cinema.

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