Filmes em cartaz nos cinemas – Destaques de 09 a 15 de julho de 2026

Poucas franquias de terror conseguiram atravessar mais de quatro décadas sem perder vigor. Desde que Sam Raimi apresentou o primeiro A Morte do Demônio em 1981, a série se reinventou diversas vezes. Agora, com A Morte do Demônio: Em Chamas — sexto filme da franquia —, o cineasta francês Sébastien Vaniçek assume o comando após Raimi tê-lo recrutado pessoalmente, impressionado com o seu debut de estreia em Infestação (2023). A trama coloca Alice (Souheila Yacoub), recém-viúva, em busca de conforto na casa isolada dos sogros. O que deveria ser um reencontro de luto rapidamente se transforma em pesadelo quando seus familiares começam a ser possessados pelos Deadites, um a um, convertendo a reunião familiar numa carnificina infernal. O detalhe que distingue este capítulo dos anteriores: os votos feitos em vida permanecem ativos mesmo após a morte — e esse mecanismo é explorado com inventividade cruel ao longo do terceiro ato.

A escolha de produzir o filme na Nova Zelândia — tradição da franquia desde que o produtor Rob Tapert se instalou no país — trouxe um benefício imprevisto: metade do elenco principal é neozelandês, o que emprestou às dinâmicas entre personagens uma carga dramática e um frescor que diferenciam este Em Chamas dos anteriores. Tandi Wright, que interpreta Susan, a sogra de Alice, é uma das atrizes mais conhecidas da TV neozelandesa e entrega uma performaçce que transita com habilidade entre a ternura genuinamente maternal e a ameaça demoníaca. O grande elogio unânime da crítica, porém, vai para Souheila Yacoub — cujo histórico como ginasta profissional se traduz numa presença física e numa expressividade corporal raras no gênero.

Abrindo com 92% de aprovação no Rotten Tomatoes, A Morte do Demônio: Em Chamas é classificado por múltiplos críticos internacionais como o melhor filme da franquia que não traz Sam Raimi na direção. A fotografia de Philip Lozano, com sua paleta deliberadamente cinza e de baixo contraste, cria uma atmosfera de opressaão persistente que pouco depende dos sustos fáceis — embora eles também estejam lá, em quantidade. A crítica mais honesta aponta que o ritmo frênetico cobra um preço no último terço, quando o filme descansa para uma exposição sobre a mitologia do Necronomicon que retarda o que deveria ser imparatável. No conjunto, porém, é o capcítulo mais sangrento, mais ambicioso emocionalmente e mais visualmente coeso da fase moderna da franquia.

Vencedor do Prêmio de Melhor Filme pelo Júri Popular no Festival do Rio 2025 (além de passagem pela Mostra de Cinema de Tiradentes e pelo Fantaspoa), Herança de Narcisa chega ao circuito comercial como um dos filmes de terror brasileiro mais aguardados do ano. A trama acompanha Ana (Paolla Oliveira, em papel duplo), que retorna ao casarão carioca do bairro do Cosme Velho onde passou a infância após a morte de sua mãe, a ex-vedete Narcisa. Com o irmão Diego (Pedro Henrique Müller) ao lado, ela começa a revirar o imóvel — até Diego destrancar o camarim da mãe e liberar segredos que deveriam permanecer enterrados. O diferencial que a crítica mais aponta: Herança de Narcisa usa a gramática do terror para falar de ancestralidade feminina, luto e a herçança emocional de relações materno-filiais marcadas por inveja, desejo e afeto mal resolvido. A psicologia analítica de Jung é a lente conceitual da dupla de diretores, que transforma cada elemento sobrenatural numa metáfora sobre o que herdamos das mães que não escolhemos.

Paolla Oliveira, que interpreta tanto Ana quanto a falecida Narcisa, entrega uma performance em dose dupla que é unanimemente apontada como o maior ativo do filme: a distinção entre a filha contida e a mãe expansiva e perturbadora é construída com detalhes de figurino, postura e expressão que mostram uma atriz saindo deliberadamente de sua zona de conforto. A Rolling Stone Brasil destaca que o grande trunfo do roteiro está em subverter expectativas: o que parece um clichê de casa mal-assombrada vai se revelando algo mais sofisticado à medida que as pistas espalhadas ao longo do filme encontram seu destino. A fotografia de Zhai Sichen (profissional chinês radicado no Brasil) constrói uma paleta que equilibra o glamour decadente do casarão com uma iluminação que isola e amedronta sem precisar de escuridão total.

As críticas mais ponderadas apontam excessos simbólicos no roteiro e alguns clichês dispensáveis que a direção não conseguiu completamente neutralizar. No conjunto, porém, o filme adiciona com dignidade à lista ainda curta de bons exemplares do suspense-terror brasileiro (ao lado de O Animal Cordial, 2017; As Boas Maneiras, de 2017; e Prédio Vazio, de 2025) e entrega uma prota­gonista em formação que o gênero nacional definitivamente precisava.

Damiano Michieletto é um nome consagrado na ópera europeia (diretor de cena do Teatro La Fenice de Veneza, da Royal Opera House e da Ópera de Paris, entre outros) que faz sua estreia aqui no cinema de ficção. Primavera adapta o romance Stabat Mater, de Tiziano Scarpa, situando a trama na Veneza de 1716, quando Antonio Vivaldi assume a direção musical do Ospedale della Pietà, o renomado orfanato que mantinha a orquestra feminina mais prestigiada da Europa. No centro da história está Cecília, uma violinista de talento extraordinário que vive confinada atrás de uma grade, apresentando-se à elite veneziana sem jamais ser vista de frente. A chegada de Vivaldi (um homem de modos secos e personalidade desafiadora, que desperta resistência nos conselhos do orfanato, mas traz inequivocamente novo alento à música do lugar) altera para sempre a trajetória de Cecília.

A crítica internacional é entusiástica. O consenso é que Michieletto transfere para o cinema com autoridade rara a mesma inteligência com que conduz a ópera nos palcos: a música de Vivaldi não é aqui acompanhamento nem ilustração, mas o próprio motor emocional da narrativa. As críticas destacam especialmente o uso das dinâmicas musicais (acelerações, ruptura de linhas melódicas, tensões não resolvidas) como espelho dos estados interiores dos personagens. A Veneza que ele filma é também pouco convencional: não a cidade-postal de canais tranquilos, mas uma metrópole densa, hierarquizada e predominada de dinheiro e status.

Para quem aprecia o cinema que navega nas fronteiras entre a música clássica, o drama histórico e a narrativa de formação feminina, Primavera é uma das estreias mais singulares e menos óbvias desta semana. A presença de Vivaldi (composta com uma aspereza deliberada que foge ao rótulo de gênio manso) dá ao filme uma tensão que poucos cinebiografias musicais conseguem sustentar. Uma obra “suntuosa e austera ao mesmo tempo”, segundo o consenso da imprensa internacional.

O Convite acompanha Joe e Angela, um casal que atravessa um momento delicado no relacionamento e tenta salvar a noite num jantar aparentemente banal com os vizinhos do andar de cima. O que deveria ser uma tentativa de normalidade e reaproximação vai tomando rumos cada vez mais imprevistos à medida que a noite avança, revelando que o encontro é muito mais complicado do que qualquer um dos dois esperava. A premissa de um jantar social que descamba para o confronto é clássica no teatro e no cinema (de “Quem tem Medo de Virginia Woolf?” de 1966, a “O Jantar” de 2017), e o quanto o filme aproveita esse território depende inteiramente da qualidade das suas atuações e da sua habilidade em construir a tensão de maneira gradual e crível. E vemos isso sendo sabiamente aproveitado pela diretora, ao juntar 4 personalidades artísticas que não poderiam ser mais díspares, juntas no que podemos elaborar como uma espécie de laboratório de experimentações humanas. Seth Rogen e Edward Norton estão muito à vontade para deixar (os nossos) nervos à flor da pele.

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O violão de Toquinho é uma melodia única no Brasil, reconhecível em poucos acordes, formado pela convivência com Vinicius de Moraes, Baden Powell e Tom Jobim, e refinado ao longo de seis décadas de carreira ininterrupta. Toquinho – Encontros e um Violão é um documentário que revisita essa trajetória por meio de apresentações ao vivo, registros de bastidores e imagens de arquivo que cobrem diferentes fases da carreira do músico. Ao longo do percurso, emergem as parcerias que definiram seu estilo (especialmente a longa e profunda parceria com Vinicius, da qual nasceram algumas das canções mais queridas do repertório brasileiro) e os processos criativos que sustentam a perma­nência de sua música no cotidiano de gerações sucessivas de ouvintes.

O documentário também aborda os momentos de virada que moldaram sua identidade artística: a chegada a São Paulo vindo de família italiana, a imersão na bossa nova, a parceria transformadora com Vinicius e a abertura progressiva para outros gêneros e formas de expressão. Para o público que cresceu com as músicas de Toquinho (de Aquarela à “Tarde em Itapoã”) o filme promete ser uma celebração afetiva e musical de uma carreira que, nesses mais de 80 anos do músico, permanece ativa e criativa.

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Não perca os destaques da próxima semana em que teremos “A Odisseia”, novo filme de Christopher Nolan (Interestelar) além de “A Divina Sarah Bernhardt”.